Eventos programados para el mes
Formación:
El baterista y compositor alemán David Giesel llega al Meidinerz Jazz Club al frente de un extraordinario cuarteto internacional para presentar Echoes of the Unknown, su primer trabajo como líder y una propuesta que representa a la perfección algunas de las direcciones más interesantes del jazz europeo contemporáneo.
Junto a Giesel estarán el guitarrista sueco Albin Ormegard, el pianista alemán Moritz Langmaier y el contrabajista británico Thomas Fuller. Tres nacionalidades y cuatro músicos unidos por una conexión musical que, en buena medida, nació alrededor del prestigioso Jazzcampus de Basilea, uno de los grandes centros europeos de formación y creación jazzística.
La música de Echoes of the Unknown parte del jazz contemporáneo, pero mira decididamente más allá de sus fronteras. Rock, indie y música alternativa aparecen de forma natural en unas composiciones construidas sobre melodías poderosas, armonías modernas y un marcado sentido del groove. Entre sus influencias se encuentra el universo de Aaron Parks y su proyecto Little Big, una referencia especialmente reveladora para entender ese territorio en el que el jazz actual se encuentra con sonidos procedentes de otros lenguajes.
Pero la intención del cuarteto no es exhibir complejidad ni virtuosismo porque sí. Las composiciones de Giesel funcionan como espacios abiertos en los que los cuatro músicos pueden escucharse, reaccionar, improvisar y transformar la música en tiempo real. Esa libertad y esa interacción hacen que el directo tenga un papel fundamental en el proyecto.
Y estamos ante cuatro músicos con trayectorias que merece la pena seguir. Albin Ormegard fue el primer músico escandinavo seleccionado para el prestigioso programa Focusyear del Jazzcampus Basel; Moritz Langmaier, pianista y compositor muy activo en la escena alemana, ha actuado en el JazzOpen Stuttgart; y Thomas Fuller desarrolla una intensa actividad dentro de la escena de Basilea participando en numerosos proyectos de jazz contemporáneo.
Al frente de todos ellos, David Giesel ha actuado también en JazzOpen Stuttgart y en 2026 ha sido distinguido con una beca de la Arts Foundation Baden-Württemberg, reconocimiento a una trayectoria que continúa creciendo dentro de la nueva escena jazzística europea.
Echoes of the Unknown fue grabado en directo en el estudio del Jazzcampus de Basilea y publicado por Double Moon Records dentro de su colección Jazzthing Next Generation, dedicada precisamente a descubrir y dar visibilidad a nuevas voces del jazz.
Un concierto internacional que encaja especialmente bien en el Meidinerz: cuatro músicos jóvenes, una enorme formación, una mirada completamente contemporánea y un jazz que no tiene ningún miedo a dialogar con el rock, el indie y los sonidos de nuestro tiempo.
Formación:
Y pocos proyectos representan mejor la filosofía del jazz que el que reúne al saxofonista argentino Luis Nacht y al contrabajista Demian Cabaud, dos grandes figuras del jazz internacional que llegan al Meidinerz para presentar la música de Furtivo.
Esta gira estaba prevista junto al legendario batería estadounidense Jeff Williams, con quien grabaron el álbum en Barcelona durante una gira europea en 2024. Lamentablemente, Williams ha tenido que cancelar sus actuaciones por motivos de salud. Desde el Meidinerz le enviamos nuestros mejores deseos y esperamos que pueda recuperarse pronto.
Pero la música continúa, y lo hará con un batería verdaderamente extraordinario: João Sousa, músico portugués propuesto por el propio Williams para acompañar a Nacht y Cabaud en esta gira.
Y estamos hablando de un artista con una trayectoria que merece toda nuestra atención:
João Sousa es uno de los baterías y compositores más interesantes de la escena jazzística portuguesa actual. Formado en el prestigioso Conservatorio Real de La Haya, donde estudió con el maestro Erik Ineke, ha desarrollado una carrera especialmente vinculada a la improvisación, la creación colectiva y los territorios más abiertos del jazz contemporáneo.
Su discografía supera las veinte grabaciones y ha compartido música con figuras como Drew Gress, Michael Formanek, Tony Malaby, Chris Cheek o Camila Nebbia.
Entre sus proyectos destaca Old Mountain, una formación que comparte con el guitarrista y pianista Pedro Branco y cuyo último álbum, Another State of Rhythm, publicado por el prestigioso sello Clean Feed, cuenta con la participación del saxofonista estadounidense Tony Malaby.
También forma parte de Garfo, uno de los colectivos más inquietos del jazz portugués, distinguido en 2021 como Grupo Revelación del Año por los premios RTP/Festa do Jazz, y con dos trabajos discográficos publicados.
Y hay un detalle especialmente interesante: Sousa y Demian Cabaud ya han trabajado juntos anteriormente, por lo que este encuentro recupera también una complicidad musical que viene de lejos.
Al frente del proyecto estará Luis Nacht, una de las figuras fundamentales del jazz argentino contemporáneo. Saxofonista y compositor de enorme personalidad, cuenta con una extensa discografía como líder y una trayectoria internacional en la que aparecen colaboraciones con músicos como Tony Malaby, Horacio Fumero, Guillermo Klein, Bruno Chevillon o David Xirgu.
Su música combina una profunda conexión con la tradición del jazz y una búsqueda constante de nuevos lenguajes, con especial atención a la improvisación y a la libertad expresiva.
Junto a él, Demian Cabaud, contrabajista argentino establecido en Portugal y formado en el Berklee College of Music de Boston. Su extraordinaria trayectoria incluye trabajos con artistas como Joe Lovano, Lee Konitz, Kurt Rosenwinkel, Maria Schneider, Mark Turner, Miguel Zenón o Chris Cheek. Un músico cuya sensibilidad, solidez y creatividad lo han convertido en una presencia habitual de algunos de los proyectos más interesantes del jazz internacional.
Y lo verdaderamente apasionante es lo que puede suceder cuando estos tres músicos se encuentran sobre el escenario, sin piano ni guitarra, el formato de saxo, contrabajo y batería deja un espacio inmenso para la improvisación. No hay un instrumento armónico que marque constantemente el camino. Los tres construyen la música juntos, se escuchan, se provocan, se responden y permiten que cada interpretación tome una dirección diferente.
Ese es precisamente el espíritu de Furtivo: composiciones originales, riesgo, diálogo espontáneo y una manera de entender el jazz en la que nada está completamente decidido de antemano.
Y la incorporación de João Sousa, con su experiencia en los territorios más creativos de la improvisación europea, abre nuevas posibilidades para una música que nació precisamente de la libertad y del encuentro entre grandes músicos.
Tres artistas de enorme trayectoria internacional, tres personalidades extraordinarias y toda la intensidad del jazz contemporáneo a apenas unos metros de nosotros. Una de esas noches que ningún buen aficionado al jazz debería perderse.
Formación:
Hay voces que necesitan muy poco para llenar un escenario. Ivette Cepeda es una de ellas. Considerada una de las grandes intérpretes de la canción cubana contemporánea, la cantante de Sancti Spíritus llega al Meidinerz acompañada únicamente por la guitarra de José Luis Beltrán, su director musical y compañero de viaje desde hace casi dos décadas.
Más de treinta años sobre los escenarios han convertido a Ivette Cepeda en una artista de enorme popularidad en Cuba y con una importante trayectoria internacional. Su voz de contralto y, sobre todo, su extraordinaria capacidad para hacer suya cada canción la han llevado por teatros y festivales de Europa y América, con actuaciones en Alemania, Francia, Suiza, Dinamarca, Colombia, Puerto Rico, Estados Unidos, México o Costa Rica. En 2026 realizó además una extensa gira española con actuaciones en Barcelona, Madrid, Málaga, Valencia, Murcia o Pontevedra.
Su universo musical hunde sus raíces en la trova y el filin cubanos, pero se abre al bolero, la canción de autor y las músicas del mundo. Ivette pertenece a esa tradición de grandes intérpretes para quienes cantar no consiste simplemente en reproducir una melodía: cada canción se convierte en una historia y cada letra adquiere una dimensión nueva a través de la voz.
Su trayectoria discográfica confirma la dimensión de la artista. Estaciones obtuvo los premios Cubadisco a la mejor grabación en vivo y mejor diseño y fue nominado al Latin Grammy; País recibió una segunda nominación; y La Rosa de Jericó obtuvo el Gran Premio Cubadisco 2023. En 2017, el Ministerio de Cultura cubano le concedió además la Distinción por la Cultura Nacional.
A su lado estará José Luis Beltrán, guitarrista, compositor y responsable de la dirección musical de buena parte de su discografía y de los proyectos que han acompañado a Ivette durante los últimos años. Juntos han recorrido escenarios de numerosos países y han desarrollado una complicidad musical que adquiere una dimensión especial en el formato íntimo de voz y guitarra.
En su repertorio conviven grandes autores de la canción cubana y latinoamericana, la trova, el filin y el bolero, siempre pasados por el filtro de una intérprete reconocida precisamente por la personalidad de sus versiones. A lo largo de su carrera ha colaborado además con artistas como Liuba María Hevia, Raúl Torres, Tony Ávila, David Torrens, Buena Fe o Tito Auger, entre otros.
Formación:
Hay voces que necesitan muy poco para llenar un escenario. Ivette Cepeda es una de ellas. Considerada una de las grandes intérpretes de la canción cubana contemporánea, la cantante de Sancti Spíritus llega al Meidinerz acompañada únicamente por la guitarra de José Luis Beltrán, su director musical y compañero de viaje desde hace casi dos décadas.
Más de treinta años sobre los escenarios han convertido a Ivette Cepeda en una artista de enorme popularidad en Cuba y con una importante trayectoria internacional. Su voz de contralto y, sobre todo, su extraordinaria capacidad para hacer suya cada canción la han llevado por teatros y festivales de Europa y América, con actuaciones en Alemania, Francia, Suiza, Dinamarca, Colombia, Puerto Rico, Estados Unidos, México o Costa Rica. En 2026 realizó además una extensa gira española con actuaciones en Barcelona, Madrid, Málaga, Valencia, Murcia o Pontevedra.
Su universo musical hunde sus raíces en la trova y el filin cubanos, pero se abre al bolero, la canción de autor y las músicas del mundo. Ivette pertenece a esa tradición de grandes intérpretes para quienes cantar no consiste simplemente en reproducir una melodía: cada canción se convierte en una historia y cada letra adquiere una dimensión nueva a través de la voz.
Su trayectoria discográfica confirma la dimensión de la artista. Estaciones obtuvo los premios Cubadisco a la mejor grabación en vivo y mejor diseño y fue nominado al Latin Grammy; País recibió una segunda nominación; y La Rosa de Jericó obtuvo el Gran Premio Cubadisco 2023. En 2017, el Ministerio de Cultura cubano le concedió además la Distinción por la Cultura Nacional.
A su lado estará José Luis Beltrán, guitarrista, compositor y responsable de la dirección musical de buena parte de su discografía y de los proyectos que han acompañado a Ivette durante los últimos años. Juntos han recorrido escenarios de numerosos países y han desarrollado una complicidad musical que adquiere una dimensión especial en el formato íntimo de voz y guitarra.
En su repertorio conviven grandes autores de la canción cubana y latinoamericana, la trova, el filin y el bolero, siempre pasados por el filtro de una intérprete reconocida precisamente por la personalidad de sus versiones. A lo largo de su carrera ha colaborado además con artistas como Liuba María Hevia, Raúl Torres, Tony Ávila, David Torrens, Buena Fe o Tito Auger, entre otros.
Formación:
Quienes seguís nuestra programación sabéis que últimamente tenemos una debilidad especial por Basilea.
No es casualidad. De su Jazzcampus, uno de los grandes centros de formación del jazz europeo, están saliendo músicos de un talento extraordinario. En los últimos tiempos hemos tenido la suerte de recibir en el Meidinerz a varias de esas jóvenes formaciones y, concierto tras concierto, nos han demostrado que el futuro del jazz europeo está en magníficas manos. Ahora llega otra de esas oportunidades para descubrirlo.
Martín Otero Ferreira nació en Ferrol en 2001 y ya llamaba la atención cuando apenas era un adolescente. En 2017, con solo quince años, la prensa gallega hablaba de aquel joven pianista fascinado por Bill Evans, los standards y la música de La La Land, cuya interpretación le había valido un primer premio en un concurso musical.
Casi diez años después, aquel muchacho se ha convertido en uno de los jóvenes pianistas y compositores más interesantes de la nueva escena jazzística gallega, incluso con el altísimo nivel que nuestros vecinos atesoran.
Formado inicialmente en piano clásico, completó sus estudios superiores en interpretación de jazz y composición clásica en A Coruña antes de continuar su camino en Basilea. Allí ha tenido la oportunidad de aprender de figuras como Aaron Parks, Kris Davis, Guillermo Klein, Mark Turner, Chris Cheek o Larry Grenadier, y de desarrollar su propia voz dentro de una escena musical especialmente inquieta y creativa.
Y esa voz ya empieza a tener mucho que decir. En 2026 ha publicado Anatomía de un sueño, un ambicioso trabajo de composiciones originales grabado con un quinteto internacional de músicos vinculados al Jazzcampus. Pero lejos de acomodarse en una fórmula, Martín continúa explorando nuevos caminos.
Su siguiente aventura se llama Who Are You???
Esta vez lo hace acompañado por dos músicos de su generación: Gal Golob, contrabajista y violonchelista esloveno con una sólida trayectoria en la nueva escena europea, y Pau Planas Dalet, batería barcelonés de gran versatilidad e interesado tanto en el jazz como en la improvisación libre y otros lenguajes musicales.
Grabado en junio de 2026 en el Jazzcampus de Basilea, Who Are You??? plantea una pregunta aparentemente sencilla: ¿quiénes somos?... ¿Quiénes somos como personas? ¿Y como músicos?
La respuesta no aparece escrita de antemano. Se va construyendo a través de composiciones originales, improvisación colectiva, silencios, cambios de dirección y una búsqueda sonora que llega incluso a las texturas del piano preparado.
El resultado es una música que se mueve entre lo íntimo y lo imprevisible, entre la composición y la libertad, entre la tradición del trío de jazz y las posibilidades de un lenguaje contemporáneo que todavía está creciendo.
Y precisamente eso es lo que más nos entusiasma de este concierto. No estamos hablando de músicos que llevan décadas recorriendo los grandes festivales internacionales. Estamos hablando de tres artistas al comienzo de sus carreras, con un talento enorme y con toda una vida de música por delante. De esos a los que merece la pena escuchar ahora, seguirles la pista y recordar dentro de unos años que una noche tocaron en el Meidinerz, a unos pocos metros de nosotros y que nosotros los vimos.
Porque consideramos que programar jazz también es esto: apostar por quienes están imaginando cómo sonará la música de mañana.
Formación:
El guitarrista y compositor italiano Alessandro Florio llega al Meidinerz para presentar Controra Avenue, su nuevo álbum, grabado en Nueva York y recibido con excelentes críticas por la prensa especializada internacional.
Florio es un músico de sólida trayectoria, formado entre Milán, Países Bajos y Nueva York, donde estudió con algunos de los grandes maestros de la guitarra jazz, como Peter Bernstein, Mark Whitfield o Freddie Bryant. Ha desarrollado una intensa carrera internacional y compartido escenario y grabaciones con figuras como Pat Bianchi, Carmen Intorre Jr., Seamus Blake, Alex Sipiagin o Troy Roberts.
Su relación con el sonido del Hammond viene de lejos. Ya en 2015 grabó Roots Interchange junto a Pat Bianchi y Carmen Intorre Jr., músicos vinculados al legendario trío de Pat Martino. Ahora regresa a ese formato con un disco que recupera toda la esencia del soul jazz, el blues, el swing y el boogaloo, pero incorporando la sensibilidad melódica y las raíces musicales del sur de Italia.
Y precisamente ahí está una de las claves de Controra Avenue. En los pueblos del sur italiano, controra es ese momento de la tarde en el que el calor parece detener el tiempo y las calles quedan vacías. Florio ha imaginado una avenida en la que esa atmósfera mediterránea se encuentra con la tradición jazzística de Nueva York. Una música que mira hacia América sin olvidar las melodías, los paisajes y los recuerdos de su tierra.
Y para presentarla en el Meidinerz llega acompañado de dos músicos verdaderamente extraordinarios.
A la batería estará Elisabetta Saviano, una de las intérpretes más destacadas de la nueva generación del jazz italiano. Nacida en Nápoles, comenzó a tocar con apenas ocho años y pronto inició una carrera que la ha llevado a actuar por escenarios y festivales de Europa y Estados Unidos.
Su trayectoria incluye colaboraciones con artistas como Stefano Di Battista, Dario Deidda, Greg Burk, Letizia Gambi, Kelly Green o Maria Pia De Vito, así como proyectos discográficos vinculados a figuras de la talla de Lenny White.
Y sus reconocimientos empiezan a ser especialmente importantes: tras obtener premios en certámenes como el Onyx Jazz Contest y el Teano Jazz Contest, en 2026 se proclamó ganadora absoluta del Conad Jazz Contest de Umbria Jazz, como integrante del Federico Campanello Quartet.
Una baterista de enorme personalidad, con una combinación de técnica, musicalidad y sentido del ritmo que encaja perfectamente en este tipo de formación.
Y al órgano Hammond tendremos a alguien que en el Meidinerz conocemos muy bien: Adra Karim.
El extraordinario músico indonesio afincado en Asturias se ha convertido en uno de esos artistas que sentimos especialmente cercanos al club. Su reciente concierto con KGM Trío, con todas las localidades agotadas, volvió a demostrar por qué.
Adra es un auténtico maestro del Hammond. Su dominio del instrumento, su capacidad de improvisación y ese groove absolutamente contagioso que consigue extraer de sus teclados lo convierten en un compañero ideal para la música de Florio.
En sus manos, el Hammond puede ser delicado y envolvente o convertirse en una auténtica explosión de energía. Y cuando se encuentra con una guitarra y una batería de este nivel, las posibilidades son enormes.
Formación:
Nacer en una familia en la que aparecen nombres como Toshiko Akiyoshi, Charlie Mariano, Lew Tabackin o Alex Sipiagin supone crecer rodeado de una parte importante de la historia del jazz, pero también implica un reto: encontrar tu propia voz, y eso es precisamente lo que está haciendo Nikita Sipiagin, saxofonista nacido en Nueva York y una de las figuras emergentes más interesantes de la nueva generación del jazz internacional.
Hijo del reconocido trompetista Alex Sipiagin y de la cantante y compositora Monday Michiru, Nikita pertenece a una de esas familias extraordinarias en las que la música atraviesa varias generaciones. Su abuela es la legendaria pianista y compositora japonesa Toshiko Akiyoshi, su abuelo fue el saxofonista Charlie Mariano y Lew Tabackin forma también parte de ese formidable legado familiar.
Pero Nikita no vive solamente de su apellido. Formado en programas como Jazz at Lincoln Center, fue distinguido en 2019 con el premio al Mejor Solista del Mingus Competition. Desde 2021 desarrolla buena parte de su formación y su carrera en el Jazzcampus de Basilea, donde ha estudiado con músicos de la talla de Mark Turner, Dick Oatts o Chris Cheek.
Y aquí aparece una conexión que en el Meidinerz nos maravilla: Quienes seguís nuestra programación sabéis que en los últimos tiempos estamos descubriendo a través del Jazzcampus Basilea a una generación extraordinaria de músicos. Jóvenes procedentes de todos los rincones del mundo que se encuentran en Suiza, aprenden de algunos de los grandes maestros del jazz contemporáneo y forman proyectos con una madurez musical que no deja de sorprendernos.
El cuarteto de Nikita Sipiagin es otro magnífico ejemplo. Y además, sus integrantes llegan con un reconocimiento muy importante: en septiembre de 2025 ganaron el B-Jazz International Contest con Idle Moments, una formación nacida precisamente en el Jazzcampus en la que participan los cuatro músicos que tendremos en el Meidinerz.
Max Teakle, pianista australiano formado en Melbourne y distinguido con la beca Graham Coyle, aporta una sólida conexión con la tradición pianística del jazz y una extraordinaria sensibilidad musical.
Joan Codina, contrabajista valenciano que comenzó estudiando violonchelo clásico, ha desarrollado su formación en Basilea con maestros como Larry Grenadier y ha compartido escenario con músicos como George Garzone, Jorge Rossy, Joel Frahm o Perico Sambeat.
Y a la batería estará Genius Wesley, un auténtico prodigio procedente de Oakland, California. Comenzó a tocar profesionalmente siendo prácticamente un niño y, con apenas catorce años, ya ofrecía varios conciertos semanales en la escena de San Francisco. Desde entonces ha trabajado con artistas como Buster Williams, Sean Jones, Ambrose Akinmusire o Gerald Clayton, construyendo una carrera internacional verdaderamente impresionante para su edad.
Su propuesta parte del jazz neoyorquino, del lenguaje del bebop y del post-bop, pero incorpora la energía y la libertad de una nueva generación. El repertorio combina composiciones originales y reinterpretaciones del Great American Songbook, siempre con especial atención a la improvisación, el diálogo y la interacción entre los músicos.
Formación:
¿Cómo suena la música tradicional persa cuando se encuentra con el jazz-rock progresivo? Probablemente muy diferente a lo que estamos acostumbrados a escuchar en un club de jazz. Y precisamente por eso nos hace tanta ilusión presentaros a Sharif & The Nomads, una de las propuestas más originales y sorprendentes de nuestra programación.
El jazz nunca ha sido solamente un estilo musical. También es una manera de entender la música: improvisar, escuchar, experimentar y encontrar nuevos lenguajes a partir del encuentro entre culturas. Y de eso trata este concierto.
Al frente de la formación está Sharif Tavakoli, cantante y músico iraní que, tras verse obligado a abandonar su país, ha continuado desarrollando su carrera artística explorando el diálogo entre la tradición musical persa y otras culturas. Ha trabajado con el flamenco, la música portuguesa y ahora se adentra en un territorio especialmente fascinante: el jazz-rock progresivo.
Su voz y el sonido del setar, un instrumento tradicional persa de cuerda, son el punto de partida de una propuesta que reúne melodías y formas de expresión profundamente arraigadas en la cultura iraní con la libertad y la energía de una banda contemporánea.
Y aquí aparece una conexión musical especialmente interesante. La improvisación es tan importante en la tradición persa como en el jazz, aunque cada una haya desarrollado sus propias reglas y formas de expresión. La música clásica iraní utiliza sistemas melódicos conocidos como dastgah, que permiten al intérprete explorar, ornamentar y transformar las melodías con una enorme libertad expresiva.
Cuando esa tradición se encuentra con el jazz, aparecen posibilidades extraordinarias: frases vocales que dialogan con el saxofón, melodías orientales sobre bases rítmicas que nos resultan familiares, improvisaciones que viajan entre dos mundos y sonoridades difíciles de encasillar. Ese es el universo de Sharif & The Nomads.
Junto a Tavakoli encontramos a un grupo de músicos experimentados, con largas trayectorias en diferentes formaciones y escenarios europeos. Su instrumentación es una parte esencial del atractivo del proyecto: bajo eléctrico sin trastes, saxofón, flauta, teclados, melódica, batería y percusión, junto a instrumentos tradicionales persas como el setar. Una combinación que permite pasar de momentos íntimos y casi hipnóticos a pasajes intensos, eléctricos y profundamente rítmicos.
El grupo ha plasmado esta búsqueda en su primer álbum, Persian Jazz Rock, publicado en 2025. Una colección de composiciones que refleja el espíritu de la formación: mantener viva la identidad musical persa mientras explora nuevos caminos a través del rock progresivo, la improvisación y los lenguajes del jazz contemporáneo.
Esta será una noche para viajar, descubrir y dejarse sorprender.
Formación:
Después de toda una vida dedicada al jazz, todavía quedan territorios por descubrir. Y eso es precisamente lo que se ha propuesto Joaquín Chacón, uno de los guitarristas y compositores fundamentales del jazz español, con su nuevo trabajo, Dreamland.
Un disco que el propio músico considera un antes y un después en su carrera. Y no es para menos: después de décadas de conciertos, grabaciones y colaboraciones con algunos de los grandes nombres del jazz internacional, Chacón ha decidido afrontar uno de los retos más exigentes y personales para cualquier instrumentista: quedarse a solas con su guitarra.
Pero hasta llegar aquí, hay una historia que merece ser contada:
Nacido en Madrid en 1962, Joaquín Chacón pertenece a aquella generación de músicos que, durante los años ochenta, contribuyeron a construir los cimientos del jazz moderno en nuestro país. Formado en España, Holanda y Alemania, tuvo como maestros a figuras como John Abercrombie, Dave Liebman, Joe Henderson, Barry Harris o Richie Beirach.
Sus primeros pasos profesionales lo vincularon a formaciones históricas del jazz madrileño, como Neobop, donde coincidió con Javier Colina y Chano Domínguez. Desde entonces, su trayectoria lo ha llevado a compartir escenario y grabaciones con músicos como Billy Hart, Al Foster, Kevin Hays, Perico Sambeat, Jorge Pardo, Dave Liebman o Doug Raney, además de recorrer festivales y clubes de medio mundo.
Una carrera extraordinaria, desarrollada también desde la composición, la grabación y la enseñanza, como profesor de instituciones tan importantes como Musikene y la Escuela de Música Creativa de Madrid.
Y ahora llega Dreamland, un proyecto gestado durante años, compuesto íntegramente por música original, en el que Chacón explora todas las posibilidades expresivas de la guitarra. Hay composiciones nuevas, homenajes, dedicatorias y antiguas piezas que encuentran una segunda vida.
Pero también una búsqueda sonora: guitarras acústicas y eléctricas, efectos, diferentes timbres y colores que permiten construir paisajes musicales muy alejados de lo que habitualmente esperamos de un concierto de guitarra de jazz.